El Terrario de Donovan

"There is no Megan Fox, there is no Jessica Alba, there is only Louise Brooks!"

La experiencia tras las cámaras de En Tierra Peligrosa dejó al bueno de Seagal con su carrera tambaleándose tras el desastre en taquilla.Había que encontrar la manera más rápida de encauzarla.Y para ello, hizo lo que la Warner Bros. le pedía, una secuela de su mayor éxito en taquilla.Sin embargo, Andrew Davis, tras el taquillazo y el prestigio crítico conseguido por El Fugitivo (1994) no parecía estar por la labor de volver en la secuela, así que Seagal encontró un pronto sustituto en el australiano Geoff Murphy, que tenía entre sus credenciales el haber filmado la cinta de culto El Único Superviviente (1985), la secuela de Arma Joven y Freejack, con Emilio Estevez y Mick Jagger.

Una vez con un director a bordo del tren, había que seleccionar el reparto.Una vez que Julian Sands y Jeff Goldblum pasaron de interpretar al villano, Eric Bogosian (actor de teatro cuyo mayor éxito en el cine fue protagonizar la adaptación de su obra Talk Radio, dirigida por Oliver Stone) se encargó de interpretar a Travis Dane, genio informático que con la ayuda de un grupo de mercenarios liderados por Penn (el siempre efectivo Everett McGill) tomará el control del tren en el que viajan Casey Ryback y su sobrina (Katherine Heigl, Anatomía de Grey) para hacerse con el control del satétile que diseñó y que puede destruir cualquier objetivo.O le pagan una buena suma de dinero o destruye lo que se proponga.No contaba con el cocinero Ryback.Completando el elenco Morris Chestnut (Los Chicos del Barrio, 1991) de camarero graciosete que pone el inevitable contrapunto cómico a Seagal.

Con su expresividad de siempre explicando a Katherine Heigl por qué no se llevaba bien con su hermano difunto.

La anécdota morbosa del casting viene de la playmate Jenny McCarthy.Ella asegura a quien quiera oirla que Steven Seagal intentó acosarla en su prueba de casting.Los hechos, según ella, ocurrieron tal que así:Jenny estaba leyendo sus líneas de diálogo cuando Seagal (co-productor de la cinta) le ordenó que se quedara en topless para hacerse una idea de lo sexy que era.Jenny se negó ante la insistencia de Stevie y le contestó que si quería verla en topless mejor que alquilase su video de Playboy.La neumática actriz salió corriendo hasta el aparcamiento donde Seagal la alcanzó para advertirla de que, si contaba esta historia, sufriría las consecuencias.Ustedes deciden si creerla o no.Este relato me lleva a esa leyenda urbana según la cual las actrices que salían en las cintas de Seagal tenían que pasar por la cama del aikidoka cuando Kelly LeBrock no estaba por casa.

El genio del mal

Aún no teniendo a Andrew Davis tras las cámaras, esta secuela resulta una más que digna continuación.Aquí no hay apenas respiro para el espectador, al contrario que en la primera parte, que se tomaba la acción con más calma.Geoff Murphy orquesta buenas escenas de tiroteos y acción a bordo del tren (había que ser muy inútil para estropear las posibilidades que ofrece un tren, afortunadamente no es el caso) cuyo mayor defecto es la pobreza de los efectos visuales en algunos casos (véase la escena de Seagal en la montaña a lo Tom Cruise en Misión Imposible 2, donde la pantalla azul se nota un montón).A destacar que las escenas de lucha, a diferencia de la primera parte, son más gores (la de la montaña de nuevo, los tiroteos, los duelos finales con los malos).

Aplicando la maniobra Seagal para expulsar ese hueso de aceituna que se ha quedado ahí atascao.

Hay que resaltar la banda sonora de Basil Pouledoris, que supera al trabajo de Gary Chang de la primera entrega y da un aire épico a la cinta que consigue hacer elevar su calidad.El elenco de actores cumple con un Bogosian sobreactuado como mandaba su personaje y un Morris Chestnut con un papel que no es que sea el colmo de la originalidad pero que cumple sobradamente su cometido.El espectador que haya visto la cinta se acordará de ella por dos motivos:Uno, los inventos de Seagal fabricando una bomba con aceite de coco; el otro, el explosivo climax final que, visto la primera vez, impresiona mucho, aunque hoy en día y gracias al DVD se puedan ver los "trucos" y miniaturas utilizados.

Con un presupuesto de 60 millones de dólares y con canción producida por Seagal para los créditos finales incluida (After the Train Has Gone), Alerta Máxima 2 recaudó 50 millones de dólares en USA, pero con los alquileres y ventas en video y la recaudación internacional dió beneficios.Eso sí, se quedó a años luz de lo que recaudó la primera entrega, por lo que fue vista como un éxito relativo con el que muchos pensaron que la estrella de Seagal comenzaba a declinar.Para contrarrestar esto, aceptó ser co-protagonista por primera vez en su carrera con otra estrella de acción.O eso pensaba él a la hora de firmar el contrato.Stay Tuned.

Pelea final contra Everett McGill

Todo un hito del cine de animación para adultos inspirado en la serie de cómics del mismo título y donde nos encontramos con nombres como el de Ivan Reitman en la producción (Reitman, aunque sea más conocido por su faceta de director de comedias, tiene un pasado como productor de cine gore muy curioso, estando asociado a gente como David Cronenberg) y las voces de John Candy, Harold Ramis o Eugene Levy entre otros.Algo por lo que se recordará la cinta es por la selección de canciones rockeras, con gente como Black Sabbath, Blue Oyster Cult, Devo, Journey, Stevie Nicks o Nazareth, entre muchos otros.Casi ná.Y además con música orquestal de Elmer Bernstein.Al frente del proyecto, el director Gerald Potterton.

Sin ahorrar detalles en el sexo, violencia y humor que popularizaron las historietas, el hilo conductor de Heavy Metal es la historia del astronauta que regala a su hija una esfera verde (el Loc-Nar)...que liquida al astronauta ("soy la suma de todo mal") y se dedicará a contar historias en las que el Loc-Nar siempre está presente mientras aterroriza a la niña un buen rato.Como suele ser habitual en el cine de historietas, las hay muy geniales y otras que lo son menos, pero todas ellas son bastante disfrutables.Si a ello le sumamos el encanto que tiene la animación netamente ochentera, tenemos cinta de culto a la de ya.

Vaya por delante que al ver la primera historieta ambientada en un Nueva York futurista uno podría pensar inevitablemente que "estos copiaron el look de Blade Runner".Cosa falsa, porque antes de Blade Runner esa visión futurista ya se encontraba presente en los cómics.De hecho una de las influencias reconocidas por Ridley Scott a la hora de hacer Blade Runner es Heavy Metal y sospecho que sobre todo la historia del taxista neoyorkino en un Nueva York lleno de prostitutas, delincuentes y peligros varios y que se ve envuelto sin comerlo ni beberlo en una trama al más puro estilo cine negro sobre un artefacto valioso (Loc-Nar).Con diseños de Juán Giménez, co-autor junto con Alejandro Jodorowsky de la fundamental La Casta de los Metabarones, un muy logrado episodio con frases lapidarias ("que te den por el culo" "por 20 pavos vale"-prostituta en la comisaria), voz en off como manda el género negro, una femme fatale y una muy lograda atmósfera futurista.Lástima que este corto no se expandiera a un largometraje.El personaje del taxista lo pedía a gritos.

El Nueva York del futuro.

La segunda historia no tiene desperdicio:un adolescente "empollón" descubre el Loc-Nar en el campo y se lo lleva a casa para experimentar.En una noche de tormenta, el poder del Loc-Nar transforma al enclenque nerd en un musculoso guerrero y es llevado a otra dimensión, donde rescata a una oriunda de Gibraltar de las garras de un misterioso culto que iba a sacrificarla.Pronto son capturados mientras se encuentran en plena faena ("en la Tierra nunca podría haberme tirado a semejante pava") por los siervos de Ard, un hombre inmortal, que promete liberarlos si nuestro héroe rescata el Loc-Nar de la Reina del misterioso culto.Acompañado de varios de los acólitos de Ard, el guerrero tendrá ante sí una proposición indecente...Quizás pelín largo, pero otro corto de altura, con el mismísimo John Candy poniendo la voz al protagonista.

La tercera historia es cortita y pasable.En un juicio en una estación espacial, el capitán Lincoln F. Stern soborna a un testigo clave para que testifique a su favor y obvie las múltiples fechorías que ha cometido.Lástima que el Loc-Nar ande por ahí en forma de pelotita y el testigo enclenque acabe testificando en contra y convirtiéndose en una mole de músculos.A partir de ahí, a correr.El segmento no pasa de anécdota y se deja ver sin complicaciones.Eugene Levy (el padre de Jason Biggs en la saga American Pie) pone la voz al capitán.

El Loc-Nar continúa haciendo de las suyas durante la Segunda Guerra Mundial a bordo de un bombardero, convirtiéndo a los tripulantes muertos en combate en zombies sedientos de sangre.Los pilotos tendrán que enfrentarse a ellos.Con guión de Dan O' Bannon (co-autor junto a su amigo Ronald Shushett de los guiones de Alien y Desafío Total), el segmento más gore y breve de la película.Hubiera deseado más duración teniendo en cuenta las múltiples posibilidades que daba la historia, pero se merece un aprobado.Por cierto, que uno de los primeros borradores de Alien estaba ambientado en un bombardero en la Segunda Guerra Mundial.No me extrañaría que O' Bannon reciclase la idea inicial de Alien aquí.

Zombies en el avión.Menudo peliculón haría yo con esto.

Surrealista y cachonda historia la que viene a continuación, en la que el Loc-Nar ejerce sus poderes sobre un científico en el Pentágono haciéndole volverse loco e intentando acosar a la estenógrafa.Ambos son absorbidos por la nave que ven arriba y el científico queda hecho añicos, mientras que la estenógrafa se lo monta con el robot de la nave, que además le propone matrimonio ("no sé...¡podría llegar a casa y encontrate tirándote al tostador del pan!").La resolución del episodio es brutal.Junto con la primera historia, la más divertida de la cinta.

El último relato es el más recordado por todo aquel que haya visto la cinta, aunque sea por la protagonista en cueros.El Loc-Nar llega a un planeta donde transforma a una tribu en brutales guerreros y saquean y masacran un poblado.La última de una raza de guerreros, Taarna, se encargará de vengar al poblado.Una historia de Jean Giraud "Moebius" que supone un excelente cierre para la cinta.La niña tiene sorpresa final.

Heavy Metal fue película de culto desde el mismo momento de su estreno y tuvo éxito limitado en las salas donde se estrenó, gozando de mucha más popularidad con los pases televisivos en la televisión por cable.Editada en DVD pelada de extras, uno se pregunta se algún día saldrá una buena edición especial.Quien sabe, quizás si prospera el proyecto que tiene David Fincher de hacer una cinta de animación basada en el universo de los cómics podamos ver esa edición de lujo.En el 2000 hubo secuela llamada Heavy Metal 2000, aunque servidor no la ha podido ver.

Una ex-compañera de trabajo de mi madre tenía la costumbre de dejarnos unos cuantos videocassettes.De este modo, pude ver cosas antaño impensables para mi y que ni siquiera se encontraban en mi videoclub.Cosas como un biopic de Nelson Mandela protagonizado por Danny Glover, una de Faye Dunaway ejerciendo de madame en un burdel o los Kung Fu Kids en Vietnam, cinta que un día de estos comentaré.Gracias a esta compañera de trabajo pude ver por vez primera Blade Runner en un VHS de los que regalaba Petronor.Por supuesto, con toda la calidad de imagen y sonido que ofrecía el formato.Gracias MJ si por casualidad lees esto.Y entre todas estas películas que nos dejó desinteresadamente, recientemente he podido recuperar una que en su momento me hizo particular gracia, más que nada porque la protagonizó un Keanu Reeves antes de hacerse famoso y porque tiene canciones y cameo de George Clinton, uno de los padrinos espirituales de Prince.Vamos a ello.

La cinta que nos ocupa es una de esas producciones que bebe del clásico de Scorsese After Hours con el clásico esquema de todo-me-pasa-a-mi-en-una-sola-noche.Y es que el bueno de Reeves se lleva a un baile a la chica más popular del instituto, solo para acabar en un tugurio de mala muerte y venderla a un chulo en plena borrachera.Naturalmente, nuestro hombre tendrá que encontrarla so pena de ser tiroteado por el padre de la chica, que es jefe de Policía.Como ven, el director-guionista Thom Eberhardt no se esforzó mucho en un argumento original, pero lo cierto es que la película, si uno no es demasiado exigente, entretiene lo suyo.

Con un retrato entre estereotipado y divertido de los bajos fondos de Los Angeles y basando el humor en acumular el mayor número posible de situaciones y personajes absurdos, el bueno de Eberhardt crea la película ideal para ser consumida en una madrugada aburrida.Los actores cumplen con sus papeles, Reeves incluido (y aprovecho para decir que Reeves será todo lo malo que ustedes quieran, pero no me negarán que probó todo tipo de géneros y registros) como chaval panoli y pardillo que irá madurando a base de robarle el coche, recibir palizas o intimidar a los malos con un mechero con forma de pistolón.

Mujer en lencería y esposada a la cama, combinación ganadora.

No es que sea para tirar cohetes, pero me apuesto lo que quieran a que es infinitamente superior al remake de Ultimátum a la Tierra que ha estrenado recientemente Reeves.Aunque Jennifer Connelly sea infinitamente superior que la sosaina de Lori Loughlin.Que es la mujer que ven en la foto de arriba.

Sin duda Alerta Máxima fue la película que abrió las puertas a Steven Seagal a la Primera División de Hollywood codeándose con Arnold y Stallone en la cima de los héroes de acción de los años 90.Y es que una taquilla mundial de 156 millones de dólares en todo el mundo no dejaba lugar a dudas sobre la valía en taquilla de Seagal.Lo más sorprendente del asunto es que a los críticos les gustó la cinta, teniendo hoy por hoy un 74 por ciento de críticas positivas en Rottentomatoes, aunque sólo fuera por sus legendarios villanos Tommy Lee Jones y Gary Busey y el buen hacer de Andrew Davis tras las cámaras.Si a eso le sumamos la siempre agradecida presencia para el espectador masculino de una Erika Eleniak post-Los Vigilantes de la Playa y un equipo técnico de lujo con Frank Tidy en la fotografía (fue director de fotografía con Ridley Scott en Los Duelistas y en sus anuncios para televisión) y la friolera de 4 montadores (lo que quiere decir que se rodó material de sobra para la cinta), tenemos ante nosotros una película muy entretenida que pasa por ser la que a todo el mundo le viene a la mente cuando se habla de Seagal.

A principios de los 90 hasta bien entrada la década fue la época en la que las historias de justicieros urbanos dieron paso a las cintas deudoras de Jungla de Cristal, en las que un solo hombre era el único que podía parar una amenaza terrorista en un recinto que bien podía ser un edificio, un avión o en este caso un barco.Concretamente el acorazado nuclear USS Missouri que emprende su último viaje.A bordo viajan el corrupto Comandante Krill (un Gary Busey el cual mientras escribo estas lineas está en un reality show de celebridades luchando para superar sus adicciones) y el cocinero de pasado misterioso (cómo no) Casey Ryback (Seagal).Para celebrar el cumpleaños del capitán, Krill contrata una banda de música liderada por William Strannix (Tommy Lee Jones) y con playmate del 89 incluida, Jordan Tate (Erika Eleniak).Ryback, quien se lleva a matar con Krill es encerrado por éste en la cámara frigorífica, lo que ya hace a Ryback sospechar.Durante la fiesta la banda se revela como un grupo de mercenarios que rápidamente toma el control del barco encerrando a buena parte de la tripulación y cargándose al capitán.No hace falta decir quién será el encargado de quitar la tontería a los malos.

Quién necesita a Arguiñano y sus chistes por Dios...

Aunque es cierto que el argumento es claramente deudor de Jungla de Cristal, Alerta Máxima se diferencia de otras cintas parecidas en varios aspectos:Para empezar, los villanos.Tanto Jones como Busey se lo pasan bomba sobreactuando, en especial un Jones que hace de Strannix un pirado de los años 60 y que eclipsa a todos los que estén a su alrededor, Seagal incluido (y a eso ayuda algunas de las impagables frases del guión:"Mis hombres pueden con 20 marines y 100 cocineros").El propio Seagal resulta efectivo como Ryback, el papel por el que será siempre recordado por los aficionados al cine de acción (servidor lo prefiere como Nico Toscani).Hasta la tan vilipendiada Erika Eleniak cumple con su cometido:ser sexy y dar apoyo cómico a nuestro héroe.No es que sea un papel de Bergman o Douglas Sirk pero el objetivo era cumplir.

El bueno de Andrew Davis (al cual aprecio hasta en sus momentos más bajos; y sí, The Guardian me gustó y todo) hace una excelente labor tras la cámara.La cinta fue rodada en un acorazado que se encontraba anclado en el puerto, pero Davis, con la ayuda de los efectos especiales, logra crear la ilusión de que el barco está en alta mar.Incluso no duda en utilizar efectivos trucos de montaje para que el mismísimo Bush padre aparezca al comienzo.Ya dentro del barco monta escenas de lucha y tiroteos excelentes como la escena de Seagal disparando con una armetralladora en cada mano o la pelea final y gore a cuchillo entre Seagal & Jones.A este último la experiencia debió vernirle muy bien para The Hunted (La Presa)

Lo que hay que hacer para controlar el hambre de Steven.

La apuesta de Steven por Alerta Máxima le salió redonda en taquilla y crítica.Ahora ya era una estrella de la clase A teniendo carta blanca para hacer lo que le apeteciese.La Warner le pidió como era lógico una secuela de su mayor éxito.Incluso se llegó a rumorear que protagonizaría una biografía de Genghis Khan (uno de esos proyectos soñados pero de dudosa realización hoy por hoy).Pero Seagal tenía sus propios planes.Tenía en mente un proyecto personal en el que daría rienda suelta a sus inquitudes espirituales y, sobre todo budistas.Como los lectores habituales del blog saben, los proyectos personales y vanidosos en esto del cine a veces acaban regulín, regulán o muy mal.Y como esta historia la conté tiempo atrás, la próxima entrega veremos a Steven accediendo a los deseos de Warner tratando de enmendar su error.Con Jenny McCarthy incluida y todo.Stay Tuned.

Y si quieren fotos de Erika Eleniak como más les gusta, tienen una buena selección por Internet.Aquí me limité a alabarla por su papel.Faltaría más.

A partir de ahora saludaré a las chicas así:

La trayectoria del bueno de Donald Cammell es una de las más curiosas (por decirlo así).De familia rica y viviendo el "swinging London" de finales de los 60, su salto al cine se produjo con la ya legendaria Performance (1970) con guión suyo y co-dirigida por el más conocido Nicolas Roeg, con Mick Jagger de protagonista.Fue un éxito que abrió las puertas a otros proyectos a Roeg pero no así a Cammell, que se las vió y deseó para que sus proyectos llegasen a la luz.En 1977 pudo rodar uno de sus proyectos.Quizás sea Engendro Mecánico la cinta que más gente haya visto de Cammell (yo aún recuerdo haberla visto con seis años y alucinando), una muy apreciable historia que bien podría inscribirse en eso de la "nueva carne" que acuñó David Cronenberg.Para la historia queda Julie Christie pariendo a su "retoño".Tras este éxito Cammell se va a casa de Marlon Brando a escribir con el divo Fan Tan, una aventura exótica a la que dieron forma como novela pero que finalmente no se rodaría.Fue publicada finalmente hace tres años si la memoria no me falla.Tras la "Brando experience", casi una década sin dirigir salvo algunos trabajos para televisión y videoclips varios como el de Pride (In the Name of Love) de U2 hasta que rodó en 1987 El Blanco del Ojo, con la hoy muy olvidada Cathy Moriarty (la mujer de Jake LaMotta en Toro Salvaje) y que pasó con más pena que gloria.

Y así llegamos a la cinta que nos ocupa.Wild Side, cosecha de 1995, tenía a un buen reparto:Anne Heche, que estuvo en la cima año y pico hasta que sus escándalos en su vida personal, los fracasos en taquilla y la burla despiadada de su ex Steve Martin en la excelente Bowfinger (el personaje de Heather Graham de actriz trepa que se acostaría hasta con mujeres para lograr el éxito está inspirado en ella) la dejaron K.O, Joan Chen (otra que estuvo de moda en su momento, aunque ahora se ha reciclado en directora con cierta fortuna), Steven Bauer (inseparable compañero de Al Pacino en Scarface) y Christopher Walken (triste decadencia la suya.Que vuelvan los tiempos de King of New York ya).Parecía que con este reparto Cammell tendría un éxito, pero no contaba con los ejecutivos de Nu Image que montaron la película a su antojo dejando a Cammell desolado y firmando con el pseudónimo Franklin Brauner.Wild Side salió directa a video en USA.Cammell se suicidaría un año después.En el año 2000 el montador Frank Mazzola, siguiendo las anotaciones de Cammell, montó un director's cut que se estrenó con más éxito crítico que lo visto cinco años atrás.

La historia no tiene desperdicio:Alex Lee (Heche) es una ejecutiva de banco de día y señorita de compañía de noche.Es lo que tiene estar endeudada hasta las cejas.En una de sus noches se topa con Bruno (Walken), un personaje excéntrico (por decirlo suavemente) que es además uno de los estafadores más buscados del país.Bruno se vuelve obsesivo con Alex y ordena a su guardaespaldas Tony (Bauer) a que averigüe si Alex trabaja para el FBI.Pero resulta que Tony es un agente encubierto que tiene sus propios planes.Lo mejor llega cuando aparece en escena la mujer de Bruno Virginia (Chen) en el banco donde trabaja Alex y ambas caen enamoradas.La escena de sexo entre ambas es de quitar el hipo (y olé para las dos actrices por sus bemoles y por el realismo que le ponen).A partir de ahí, una buena ración de emociones fuertes, traiciones, vidas en riesgo y Steven Bauer a punto de ser violado por Walken.

Tengo que advertir que comentaré el montaje de los productores puesto que el director's cut no ha llegado por estos lares que yo sepa.Vamos a empezar por el bueno de Walken.Aquellos que tengan rechazo por las sobreactuaciones les aconsejo que no vean Wild Side.Porque aquí Walken hace una interpretación deliciosamente pasada de vueltas con la que los fans de Chris se lo pasarán bomba (y su personaje la requería).Tanto Joan Chen como Steven Bauer están bien, pero la que lleva bajo sus hombros el peso de la película es Anne Heche, que borda su papel haciéndo hasta creíble un guión que destaca por sus situaciones y personajes surrealistas.Debo ser de los pocos que confía en que esta mujer vuelva a la cima, porque talento lo tiene a raudales.Da la impresión de que Cammell dejó libertad total a los actores para rodar sus escenas y que tampoco se preocupó demasiado por la factura técnica rodando la película con un estilo descuidado, salvo en los exquisitamente fotografiados encuentros sexuales entre Heche y Chen.De todos modos y aunque la fina linea entre la credibilidad y el sentido del ridículo sea traspasada varias veces, Wild Side es uno de los thrillers (por definirlo de alguna forma) más excéntricos, semiolvidados y reivindicables de los años 90.

Supongo que lo que el lector querrá es ver la escena entre Heche y Chen.Le diré para su información que Google es su amigo.

A finales de los 80 "Beat" Takeshi Kitano era una figura popular en Japón, sobre todo en el ámbito televisivo, donde como sabrán, presentó Takeshi's Castle (lo que aquí castizamente se conoció como Humor Amarillo).Aparte de este programa, Kitano salía (y sigue saliendo) en innumerables programas cómicos, tertulias y hasta retransmisiones deportivas, siendo su rostro visto hasta en el sushi.En el cine poquita cosa se conocía de él como actor exceptuando su papel de sargento en Feliz Navidad Mr. Lawrence (1983) de Nagisa Oshima, de quien prefiero su ya legendaria El Imperio de los Sentidos (1976) y el drama gay entre samuráis Gohatto (1999)...también con Kitano.Hasta que en 1989 recibió la oferta de Kinji Fukasaku (Graveyard of Honor, Battle Royale) de protagonizar una comedia que parodiase las películas de la saga Harry el Sucio.Fukasaku enfermó y abandonó el proyecto, dejando la película sin director.Kitano preguntó en broma si le dejaban a él dirigirla y sorprendentemente le dijeron que sí.Kitano aceptó, no sin antes reescribir por completo el guión original de Hisashi Nozawa y convertir la comedia en un policíaco de tomo y lomo...a lo Kitano.Así nació Sono Otoko, Kyobo Ni Tsuki (cuya traducción literal sería Cuidado, Hombre Enfadado), conocida internacionalmente como Violent Cop y que supuso el debut en la dirección de uno de los grandes del cine actual no ya sólo oriental, sino mundial.

También se le ocurre al chaval dar una paliza con sus amigotes a un vagabundo en plan Naranja Mecánica con el detective Azuma (Kitano) mirando la escena y siguiéndole hasta su casa.Como han podido ver, Azuma es un policía de pocas palabras y expresiones que utiliza métodos poco ortodoxos pero de eficacia probada que le granjean no pocas antipatías entre sus superiores, asignándole un compañero novato de aparentes pocas luces.Cuando descubre que su compañero Iwaki vende droga confiscada, se desencadena una historia circular de violencia nada glamourosa, venganza, muerte, autodestrucción y momentos de ternura, por increíble que parezca.Aunque es cierto que la historia es la típica de las películas policíacas, no menos cierto es que Kitano logra dar otra mirada a universos ya transitados.Las escenas de "acción" y violencia que se ven son secas, contundentes, realistas y en ocasiones inesperadas y hasta gores (esa mano de Azuma que agarra la hoja del cuchillo de un asesino).Hay que mencionar la escena de la persecución a un yonki, que comienza de forma humorística cuando él solito se deshace de tres agentes "de chiripa" pero que se convierte en tragedia cuando abre la cabeza de uno de los agentes con un bate de béisbol (el efecto de sonido es uno de los más realistas que he escuchado) y se da a la fuga, perseguido a pie por Azuma y luego a coche.Sin necesidad de una sucesión de planos rapidísimos y de grandilocuencias (divertidas) a lo Michael Bay y con planos que permiten ver la acción perfectamente, Kitano demuestra ser un excelente director aún cuando nunca se había puesto tras la cámara.A destacar la partituta de Daisaku Kume, que a pesar de no volver a componer para Kitano en detrimiento de Joe Hisaishi y Keiichi Suzuki en la actualidad, compuso uno de los mejores scores para una cinta de Kitano.

Aunque Violent Cop no quitó la impresión al público japonés de que Kitano era simple y llanamente un cómico, fue un éxito de taquilla y crítica que le animó a seguir dirigiendo, alternando éxitos indiscutibles (obras maestras como Sonatine, Hana-Bi o Zatoichi) y debacles critico-comerciales (la muy cachonda Getting Any? y la subvalorada Brother, cuyo visionado en versión original es imprescindible).Y un consejo:si les echa para atrás las cintas violentas de Kitano (como le ocurre a conocidos míos), siempre pueden recurrir a sus más tiernas Escenas en el Mar (1991), El Verano de Kikujiro (1999) y sobre todo Dolls (2002).Mis buenos kleenex me gasté con las dos últimas.

Si hay una película en la que se resuma toda la esencia del cine de Seagal, esa es sin duda Buscando Justicia, cosecha de 1991.La trama no es la más original del mundo, ni es una cinta que aporte algo nuevo al cine de acción, pero sí que contiene varios sellos distintivos made in Seagal:un nombre que indique que su personaje es de orígenes "exóticos" (¿¡Quién fue el genio que bautizó su personaje Gino Felino!?), peleas brutales y espectaculares, un argumento como comentaba antes no muy original pero de eficacia probada, mujeres hermosas y una set piece de seis minutos que justifica el visionado de la cinta en cuestión.Y canción compuesta por Seagal en los créditos finales incluida.

La gente no me cree cuando les digo que Buscando Justicia arranca con una cita de Arthur Miller.Hela aqui.

Tras su experiencia con Fox en Señalado por la Muerte, Seagal volvió a la Warner Bros. con su compañero de negocios Julius Nasso.En aquella época Seagal tenía equipos técnicos y artísticos muy resultones y esta cinta no es la excepción.En la producción surge el nombre de Arnold Kopelson, ganador del Oscar a la mejor película por Platoon de Oliver Stone (1986) y futuro productor de títulos legendarios de los 90 como El Fugitivo (1993) y Seven (1995).Ric Waite repite labores de director de fotografía tras Señalado... y del resto de equipo técnico destacar a Robert Ferretti, montador de un buen número de películas de acción como Tango y Cash (1989), La Jungla 2 (1990) y un buen número de películas Seagalianas posteriores a esta.En el plano artístico tenemos de villano al bueno de William Forsythe, uno de esos secundarios que limpian, fijan y dan esplendor a cualquier película en la que salgan.En uno de los papeles secundarios como hermana del malo tenemos ni más ni menos que a una de las encarnaciones del Morbo en la Tierra (junto a Asia Argento...y no me mencionen a Angelines Jolines), la sinpar Gina Gershon, idolatrada en casa por Showgirls (1995), Lazos Ardientes (1996) y Demonlover (2004).Por cierto, prueben a buscar en papelitos a Julianna Margulies (Urgencias y Serpientes en el Avión) y a Benny Blanco del Bronx (o Pestario Vargas si lo prefieren.O Luigi).Al frente de todo este equipo, aunque sospecho que el que mandaba en el plató era Seagal, John Flynn, que nos regaló el clásico del cine carcelario Encerrado (1989), el guión de Paul Schrader Rolling Thunder (glorioso título hispano:El Ex-preso de Corea) y la futura Brainscan (Juego Mortal), vilipendiada por los puristas del terror pero digna de consideración por unos pocos.Flynn falleció en Abril del año pasado.

Tras cargarse al chuloputas de la forma que han visto en el video, arranca Buscando Justicia.El policía Bobby Lupo (Joe Spataro) es asesinado a sangre fría por el gángster Richie Madano (Forsythe) a plena luz del día y en gloriosa cámara lenta delante de su mujer y niñas.Pronto se lo comunican a Gino Felino, el cual tenía planes para jugar a béisbol con su hijo y divorciarse de su mujer, pero que quedan trastocados.A partir de ese momento, Gino Felino se da un garbeo por los bajos fondos de Brooklyn De niño Gino Felino (no puedo resistirme a escribir su nombre completo) se crió en las malas calles de Brooklyn rodeado de mafiosos, manteniendo con algunos de ellos una amistad (lo que nos lleva a Por Encima de la Ley, donde su personaje también tenía vínculos con la Cosa Nostra).Tras una conversación con diálogos en italiano, los amigos mafiosos de Gino Felino le echarán un cable en la busca de Madano, no sin antes advertir al Don nuestro Gino Felino que "Dios no quiera que lo encuentre antes que usted.Porque entonces ya sabe lo que le haré".Glub.Justo antes de que comience la temporada de romper cuellos, un malnacido tira por la ventanilla de su coche a una cucada de perrito.Lo que faltaba ya para cabrear más a Gino Felino.

En la vida real Seagal también es un gran amante de los animales.Profundizaremos en esa faceta en futuros posts.

Tras una trepidante persecución en coche entre Gino Felino y Madano y su troupe, llegan a una carnicería, donde Madano deja a sus secuaces el duro trabajo de liquidar a Gino Felino."Masacre, ven y mira".Si no es usted demasiado sensible a la sangre.

Y ahora llega la set piece de la que les hablé al principio.Gino Felino entra en un bar controlado por el hermano de Madano buscando justicia e información.El repeinadísimo hermano de Madano se pone chulesco con él, y se desencadenan los seis minutos más legendarios de la filmografía Seagaliana.Usando todo su arsenal de verborrea barriobajera y de aikido del bueno, Gino Felino acaba con un número considerable de macarras en una escena hecha a la medida de Seagal y que le coloca en el olimpo de estrellas de acción y justicieros urbanos, a la vez que nos recuerda que ya no se hacen escenas de lucha como esta.Para ver una y otra vez.

-Vamos a mi tráiler ahora que Kelly no está.

-Pesao.

Hasta aquí me ahorraré de contarles detalles del argumento.Como les contaba al principio, la historia es poco original y no es que sea muy profunda que digamos.Ni falta que le hace la profundidad.En tan sólo 15 minutos Buscando Justicia proporciona al espectador los datos necesarios y justos para, sin más dilación, asistir a un carrusel de escenas de lucha, momentos gore (esa pierna arrancada de un disparo de escopeta o cómo resuelve Gino Felino su lucha final con Madano.¡Ouch!) y frases cortantes de Seagal.Con la fotografía típicamente ochentera de Ric Waite y el buen hacer de John Flynn tras la cámara, la cinta es honesta consigo misma y ofrece lo que promete:hora y media de entretenimiento sin complicaciones con un Seagal en plena forma y moviéndose por sus anchas en una época donde el cine de acción desconocía eso de lo "políticamente correcto" (una película como ésta sería impensable que viniera de un gran estudio de Hollywood hoy en día, con la preocupación que tienen de que la máxima calificación para sus cintas sea de PG-13) y en la que el cine de justicieros urbanos empezaba a dar sus últimos coletazos.

Buscando Justicia fue bastante bien en taquilla, recaudando 39 millones de dólares sólo en la taquilla USA.Aunque de menor recaudación que anteriores trabajos, mantuvo a Seagal en una posición privilegiada en Warner.Había comentado antes que la era del cine de justicieros urbanos daba sus últimos coletazos.Porque comenzaba la era del cine deudor de Jungla de Cristal, a lo que Seagal contribuyó con su granito de arena.Stay Tuned.

Volvemos a La Puerta del Cielo otra vez más.Todos nosotros tenemos nuestras historias de los mentideros de Hollywood favoritas.Algunas de las más clásicas son los caóticos rodajes de Apocalypse Now y Cleopatra, cómo Van Damme pasó de dormir en la calle a estar en la cima de Hollywood para luego caer y recuperarse en lo personal y en lo profesional (al menos artísticamente; lo del affaire The Expendables no creo que se lo perdone) o la vida, obra y milagros de reyes del cinema bis como Ed Wood.Las mías son las anteriormente descritas y muchas más, pero tengo especial debilidad por los ángeles caídos de Hollywood de los 70.Pensemos en gente como Bogdanovich, Friedkin, Hopper, Coppola o Robert Evans.Fueron gente que lo tuvieron todo e hicieron películas memorables, pero por una serie de motivos acabaron en la ruina, semiolvidados y sobreviviendo como buenamente podían.Hay muchos ejemplos de éstos.Pero hay uno que me produce especial fascinación sobre el resto, y ese es el de Michael Cimino. Una de las ventajas que tiene YouTube es que muchas almas caritativas cuelgan ahi documentales y hasta películas varias que nunca se habrían visto por estos lares de no ser por esa plataforma de videos.Casi por pura casualidad me topé con un excelente documental de título Final Cut:The Making and Unmaking of Heaven's Gate dirigido por Michael Epstein (autor de The Battle for Citizen Kane, que contaba las disputas entre Orson Welles y William Randolph Hearst sobre la obra magna de Welles) que llevaba tiempo queriendo ver y que narra la historia de cómo Michael Cimino se convirtió en el Rey de Hollywood con El Cazador y la United Artists le dió un cheque en blanco para que hiciera el proyecto que quisiera.Su titulo provisional era The Johnson County War.Poco después Cimino le cambiaria el título por el más poético y cinematográfico Heaven's Gate.

Isabelle Huppert y Michael Cimino en el set decorado con periódicos de 1890 que recrea la casa de Nathan Champion (Christopher Walken) en el film.

Dos ejecutivos recién llegados a una United Artists (fundada por Charles Chaplin, Douglas Fairbanks, Mary Pickford y David W. Griffith para permitir a los artistas trabajar sin intromisión del estudio) de la cual se habían largado los más veteranos, Steven Bach y David Field, deciden apostar por un cineasta que acababa de terminar una cinta sobre trabajadores en una sidrerurgia de Pennsylvania que van a Vietnam con funestas consecuencias.Tras conseguir una copia de El Cazador, que aún no se había estrenado, los ejecutivos quedan impresionados y no dudan a ofrecer a Cimino un jugoso contrato para rodar La Puerta del Cielo.Cimino les anuncia que será un western de presupuesto no muy elevado (7'5 millones de dólares) y que quiere tener derecho al Final Cut (montaje final) sobre la película.Bach y Field aceptan sus condiciones y elecciones de casting, que incluyen a Kris Kristofferson y Christopher Walken de protagonistas, nombres respetados en Hollywood pero no demasiado taquilleros, por lo que para el rol de la madame Ella Watson exigen una actriz de la lista A.Tras las calabazas de Jane Fonda (que por cierto acusó a Cimino de racista y fascista por El Cazador...sin haber visto la película, como la propia Fonda reconoció) y Diane Keaton, Cimino ve en una película francesa a Isabelle Huppert y se empeña en darle el papel, ante las objeciones de Bach y Field.Éstos vuelan a Francia para entrevistarse con Huppert y se niegan a dale el papel por ser una desconocida y por su inglés macarrónico.Tras mejorar su pronunciación inglesa, los ejecutivos aceptan ante la insistencia de Cimino.El director gana su primera batalla.No será la única.

El director de fotografía Vilmos Zsigmond y Cimino en el rodaje.

A comienzos de 1979, Cimino es el hombre de moda en Hollywood.El Cazador es un gran éxito de taquilla y en los Oscars se lleva cinco estatuillas, dos de ellas para Cimino como director y productor.Una semana después de los premios, comienza el rodaje, con Cimino con un control total y absoluto sobre el mismo.Joann Carelli, novia de Cimino en aquella época y que, tareas de asistente de producción en El Cazador aparte, nunca había producido una película, es puesta por Cimino como productora, para asegurarse el control sobre el rodaje.Quizás solo Coppola y Kubrick tenían por aquella época tanto poder de decisión sobre un set.Los ejecutivos de United Artists empiezan a preocuparse con razón de la obsesión por la perfección y el detalle (rayando lo enfermizo) del realizador en todas las tomas, incluso en las más insignificantes.Una toma de Kristofferson usando su látigo para alejar a las fuerzas vivas del pueblo donde ejerce de marshall es repetida 52 veces.Son necesarias dos horas para que Cimino elija y coloque a 50 extras para un plano en el que escuchan a Kristofferson.Todo un pueblo es construido en Montana sin ahorrar detalles ni gastos.Al quinto día de rodaje, Cimino lleva seis de retraso.Todos los actores sin excepción toman clases de baile sobre patines, disparo y equitación día, tarde y noche.No duda en expulsar del plató a ejecutivos enviados al lugar para tratar de controlar el presupuesto y su megalomanía creciente.Espera jornadas enteras de rodaje sólo para que las nubes del cielo estén repartidas como quiere que estén.Rueda dos horas de película al día al coste de un millón de dólares a la semana.Se gana a pulso el simpático apodo de "El Ayatollah" entre el equipo de rodaje.

United Artists se cabrea.Exigen a Cimino que se dé prisa en acabar la película a tiempo para los Oscars, a lo que el director hace oídos sordos.Piensan varias soluciones, que van desde despedirlo a co-producir la cinta con Barry Spikings, uno de los productores de El Cazador.Lo primero no se atreven a hacerlo al tratarse de despedir al único que parece saber lo que está haciendo con su guión y por el posible escarnio del resto de Hollywood por atreverse despedir al cineasta de moda y ganador de dos Oscars.Lo segundo no lo consiguen, cuando el productor echa un vistazo al material filmado (que impresiona a Bach y Field) y a los libros de cuentas.Finalmente, piensan que después de todo a Coppola le fue todavía peor en el rodaje de Apocalypse Now y acabó saliendo una obra maestra y deciden seguir adelante, no sin antes despedir a Carelli y amenazar a Cimino con paralizarlo todo si no espabila en el ritmo de rodaje.Éste accede, mientras siga teniendo control sobre el montaje final de la película."Milagrosamente" Cimino rueda algo más rápido. aunque todavía tarda lo suyo en algunas escenas.El rodaje de la sangrienta batalla final es un caos absoluto con heridos y contusionados varios.Tres días después de acabar de rodar esta escena crucial, la fotografía principal de La Puerta del Cielo concluye.Cimino acaba exhausto, pero convencido de que ha filmado una obra de arte que le pondrá en los libros de historia.Y en parte tiene razón.Pero el rodaje no se detiene ahí.

A Cimino se le ocurre rodar un prólogo que explique el origen universitario del personaje de Kristofferson en Harvard y un epílogo en un yate que no explicaré para el que no haya visto la cinta.Ambos no están en el guión original.United Artists acepta con la condición de que Cimino no se pase del presupuesto y el calendario que le asignan.En caso contrario, no saldrán en la película.Cimino acepta.Tras la negativa de Harvard de rodar en su universidad, Cimino y su equipo se van a Oxford (Inglaterra) intentando simular Harvard allí.Para sorpresa de todos, Cimino acaba en el tiempo y plazo previstos.Ahora, a Hollywood a montar la friolera de 220 horas de material filmado para tener una película de menos de tres horas, tal como estipula el contrato de Cimino.Un periodista del Los Angeles Times que logró trabajar como extra en la película publica un demoledor artículo sobre las condiciones de rodaje y las extravagancias de Cimino en el mismo.Cuando en el artículo sale el dato de que se llevan gastados 30 millones de dólares en lo que va de película, Hollywood queda en estado de estupefacción (recuérdese que en 1979 30 millones de dólares era el equivalente de unos 100 millones de dólares de hoy).Nunca se había visto que un director despilfarrara semejante cantidad de dinero, Coppola aparte.La Puerta del Cielo empieza a salir en los telediarios y primeras planas de Estados Unidos, y no para bien precisamente.United Artists tiene motivos para estar más nerviosa si cabe.Cimino cierra a cal y canto la sala de montaje, llegando a pasar junto con los montadores días enteros sin dormir para tener la película lista para finales de año de 1980 y así estar lista para los Oscars en Febrero.

Vista aérea del baile de graduación de Harvard/Oxford.En el árbol se ven técnicos de la película.

Cimino sale de la sala de montaje en verano con algo cercano al montaje final.Antes de proyectarse ante los ejecutivos, Cimino anuncia que aún cortara 15 minutos de metraje.La proyección dura, agarrense fuerte, cinco horas y media.La secuencia de la batalla final tiene la duración de una película normal.Bach pilla un cabreo monumental y no es para menos:después de año y medio de duro trabajo, en el que esperaba ver una obra maestra, ve un drama social en el que únicamente se toman los arquetipos y lugares típicos del western para darles la vuelta, con una convincente ambientación pero con una plomiza lentitud en la narrativa nunca antes vista y que es la principal preocupación de los ejecutivos.Los peores augurios quedan confirmados.Field dimite de su cargo antes de esta proyección intuyendo el desastre que se avecinaba.Bach sabe que tiene sus días contados en el estudio salvo que la cinta sea un gran éxito de taquilla y crítica.Cimino vuele a la sala de montaje y deja el montaje final en tres horas y media.Coste total de La Puerta del Cielo:44 millones de dólares.Lo que empezó siendo un modesto western acaba convirtiéndose en una de las cintas más caras de la historia del cine.

El 18 de Noviembre de 1980 se estrena La Puerta del Cielo en el Cinema 1 de Nueva York, con todo el equipo de la película presente.Al finalizar la proyección se escuchan algunos aplausos tímidos.Mal rollo.Al día siguiente salen las críticas en todos los medios, que usan a Cimino de piñata humana, tachando la cinta de "desastre absoluto" y recalcando su elevado presupuesto.Nunca se habían visto críticas tan negativas y demoledoras.Los demás preestrenos en USA son cancelados y la película se retira de Nueva York a los tres días a petición de Cimino, para volver a montarla en una duración más "razonable".Demasiado tarde.El daño ya está hecho y La Puerta del Cielo es considerada como el mayor fracaso de la historia del cine.Las cabezas en United Artists ruedan, entre ellas la de Bach.La propietaria de United Artists, Transamerica, vende el estudio a Metro Goldwyn Mayer a precio de saldo (ahora comprenden por qué sale el león de la Metro antes de una cinta de United Artists).La nueva versión de La Puerta del Cielo, de 143 minutos de duración recauda 1'3 millones de dólares.La carrera de Cimino en Hollywood queda hecha polvo, rodando lejos de los grandes estudios 4 películas y un cortometraje en los 28 años transcurridos desde 1980.Ninguno de sus films, exceptuando un poco Manhattan Sur, tiene la repercusión de El Cazador.En Europa la cinta tiene un mejor recibimiento de público y crítica, que califica a Cimino de genio incomprendido.Los días en que el director era el que mandaba se acaban.Ahora Hollywood es controlado por empresarios que tienen tanto interés en el cine como yo sobre la crianza del búho malayo.

Lo que les acabo de contar es a grandes rasgos el documental, pero hay muchas más historias en él que son dignas de ser oídas.Narrado por Willem Dafoe, que fue extra en la película y partiendo de entrevistas a los implicados en la película, como los propios Bach y Field, los actores Kris Kristofferson, Brad Dourif y Jeff Bridges, el director de fotografía Vilmos Zsigmond, el autor de la excelente banda sonora David Mansfield y demás montadores, ayudantes de vestuario, extras, etc. se logra un espléndido retrato de Cimino (quien se negó a ser entrevistado según nos informan los créditos finales; si quieren una entrevista con él en la que hable de la película pinchen aquí) como alguien cuyo ego le acabó sentenciando, pero que pese a sus defectos no carecía de bondades, teniendo buena opinión de él casi todos los participantes del rodaje y señalando que el dinero gastado fue a parar únicamente para hacer la mejor película posible.Uno incluso llega a sentir lástima de su fracaso y preguntándose qué hubiera sido de su carrera si La Puerta del Cielo hubiera sido un exitazo.Otro acierto es el de usar cientos de fotografías del rodaje, recortes de prensa de la época y noticiarios e imágenes de archivo (impagable la cara de Cimino cuando un entrevistador le pregunta si no es arrogante gastarse tanto dinero en una película cuando hay familias en América que tienen problemas para llegar a fin de mes) que dan ritmo a la película ante la falta de escenas grabadas del rodaje.Este documental sería un excelente extra de cara a una hipotética edición especial de la película, en la que no estaría de más un audiocomentario de Cimino dando su versión de los hechos.

Si tienen conocimientos de inglés, lo tienen enterito en YouTube.En caso de tener la película en casa aconsejo verla, preferentemente en su versión íntegra, y luego ver el documental.Merece la pena para los fans de la película y su director o para los amantes del cine en general.Les dejo los primeros 10 minutos.

En el rodaje de El Cazador en 1977.

Al lado de Darren Aronofsky y su amigo Mickey Rourke (protagonista de Manhattan Sur y 37 Horas Desesperadas y que tenía un papelito en La Puerta del Cielo) en la première de The Wrestler en Los Angeles.Dicen que se ha cambiado de sexo y se hace llamar Elizabeth.Él lo negó tiempo ha.