El Terrario de Donovan

"There is no Megan Fox, there is no Jessica Alba, there is only Louise Brooks!"

"No soy Julia Roberts y podía haberlo sido"-Sean Young.

Pues sí amigos, con esta contundente frase se refiere la buena de Young a que podía haber sido toda una megaestrella a día de hoy con la facultad de poder elegir proyectos suculentos y cobrar millonadas por ello.Pero dos cosas se pusieron por en medio:la mala suerte que la acompañó desde que se hizo famosa y su carácter "dulce y encantador" que acojonó a cuantos cineastas, actores, jefazos de estudio y demás personal de Hollywood se cruzaron en su camino.Prepárense para leer lo que han dado de sí los 27 años que lleva Sean en Hollywood desde que con veintipocos años llamó la atención de un Ridley Scott que andaba buscando la actriz perfecta para dar la réplica (je je) a Harrison Ford en una cinta de ciencia ficción de alto presupuesto que tenía de título provisional Dangerous Days.Título que bien podría ponerse a una biografía de la homenajeada.

En Louisville, Kentucky, en Noviembre de 1959 uno podía encontrarse en un gimnasio cualquiera o corriendo por las calles a un joven boxeador negro llamado Casio Arcilla preparándose para irse a las olimpiadas de Roma...o estar en la sala de partos de un hospital cualquiera de la ciudad para contemplar el nacimiento de Sean Mary Young, una hermosa niña morena que con pocos añitos ya le interesaban cosas como la danza, por lo que estudió con una importante compañía de Nueva York y ejercía de modelo en sus ratos libres.Seguramente fue durante una sesión fotográfica que se dió cuenta de su innegable fotogenia y que bien podría dedicarse al mundo de la actuación.Así que cogió las maletas y de la costa Este se trasladó a la costa Oeste sin más armas que su talento y su genio, dispuesta a triunfar en la ciudad de los sueños y las más tenebrosas pesadillas, como ya deberían saber.

Tras un par de papelitos y ser rechazada por Spielberg para el papel de Marion Ravenwood a causa de su juventud en En Busca del Arca Perdida, logró su sueño:tener un papel importante en una película de prestigio.Dangerous Days sería rebautizada como Blade Runner y el resto es historia del cine.Quien la haya visto seguro que quedó impresionado por la belleza y la actuación de Young, sobre todo cuando Harry Ford le cuenta su verdadera naturaleza con el Memories of Green de Vangelis de fondo y en la famosa escena de amor entre Ford y Young.Los fans onanistas de la actriz que sepan que en el imprescindible documental Dangerous Days que viene en la edición especial en DVD se incluyen outtakes de esta legendaria escena en las que Young mostraba sus senos.Según confesó Young a Paul M. Sammon, el autor de Future Noir:The Making Of Blade Runner, ésta es su película predilecta.Durante el complicado rodaje no hizo muy buenas migas con su compañero de reparto, quien en posteriores entrevistas confesaba que en toda su carrera sólo tuvo problemas con una actriz.Nunca citó el nombre de esa actriz, pero todo el mundo sabía a quién se refería.Aunque en su momento no funcionase en taquilla, pronto se convirtió en película de culto y más tarde en el clásico que es hoy.En Hollywood tomaron nota de Young y pasaron por alto sus problemas con Ford, pensando que debió ser su inexperiencia y juventud la que causó sus conflictos.

Tras el clásico de ciencia ficción, llegaron otros dos proyectos de cine fantástico a manos de Sean y que prometían mucho:uno, y el más importante, la adaptación de la novela de Frank Herbert Dune, que acabó por dirigir David Lynch tras "traspasarle" el proyecto Scott (casualidades tiene la vida).Allí interpretaba a Chiani, el interés amoroso de Kyle MacLachlan/Paul Atreides.El papel no era muy jugoso que digamos (seguramente cayeron muchas de sus escenas en el montaje final, que de 4 horas pasó a dos) y la película fue un sonoro batacazo comercial.El siguiente proyecto se trataba de una fantasía para los críos titulada Baby, el Secreto de la Leyenda Perdida, que co-protagonizó con el Gran Héroe Americano William Katt.Aquí comenzaron los legendarios problemas de Sean con su mal carácter, puesto que no congenió nada con Katt y, como consecuencia, se dedicó durante el rodaje a quitarle su silla plegable justo cuando se disponía a sentarse.Así todos los días.Otro fracaso en taquilla del que se recuperó con No Hay Salida, al lado de un por aquel entonces emergente Kevin Costner y que fue todo un éxito sorpresa.

Quizás con un buen éxito se le aplacarían sus ánimos, pensaban en la Meca del Cine.Pues no.Sus dos siguientes películas y lo que pasó entre sus focos marcaron el resto de su carrera.Oliver Stone la fichó para Wall Street pero tuvo una buena dosis de broncas en el rodaje hasta el punto de vengarse en la sala de montaje acortando sensiblemente su papel.Mucho peor le fue con el díscolo de la familia Estévez.El bueno de Charlie Sheen, harto de la actriz, le pegó un cartel a la espalda que rezaba:"Soy una p...".Esta anécdota es de las míticas e imprescindibles en todo buen libro de cotilleos sobre Hollywood que se precie.

Bastante más mítica y dañina fue su relación con James Woods durante el rodaje de Impulso Sensual.Ambos actores intimaron en el set  mientras Woods estaba ennoviado con su pareja de aquel entonces Sarah Owen.Lo que pasó después es bastante confuso.Lo único cierto es que la pareja Woods-Owen denunció a Sean por acoso.Entre otras lindezas, Woods la acusó de dejar una muñeca rota en el portal de su casa y dejar mensajes amenazadores en su contestador automático.Young negó los hechos y llamó de todo menos guapo a Woods.Todo se resolvió con un acuerdo económico antes de llegar a un mediático juicio.Pero el daño ya estaba hecho y los cotillas, revistas, programas del corazón y demás aves coprófagas hicieron su Agosto con los pormenores del caso.La opinión pública dictó sentencia:"Sean Young está como un cencerro"

Aún así, la actriz guardaba tres ases en la manga: tres papeles que callarían bocas, la darían prestigio y cimentarían su estatus de estrella.El primero fue en Delitos y Faltas de Woody Allen, señor al que no tengo yo mucho aprecio pero qué duda cabe que participar en sus películas supone prestigio para un actor.Pues bien, Allen cortó su papel en la sala de montaje.Si tendría algo que ver el mal café de la actriz o se debió simplemente a una decisión artística es algo que sólo sabe el de Manhattan.El segundo papel era el de la película-evento de la temporada, ni más ni menos que Batman, con Tim Burton al frente.El personaje de Vicki Vale era de Sean...hasta que en un rato libre del rodaje se cayó de su caballo en los alrededores del estudio Shepperton frácturándose la clavícula.Kim Basinger fue su sustituta y sobra decir que Batman fue un taquillazo descomunal.El tercer papel era el de Suspiros Mahoney en la muy infravalorada adaptación de Dick Tracy realizada por Warren Beatty.Como muchos se temían no congenió con Beatty y fue despedida por "diferencias creativas".Las malas lenguas dicen que se negó a pasar por la cama del Don Juán por excelencia y que eso influyó mucho en su despido (al final Madonna se hizo con el papel y la cama).Y así se fue por el retrete su estrellato.

Encima, siguió teniendo problemas de todo tipo con estrellas como Nicolas Cage en Pájaros de Fuego o Michael Caine en Seducción Peligrosa.Los de los cada vez más devaluados premios Razzies se acordaron de ella por su doble papel en Bésame Antes de Morir.Y el remate definitivo llegó cuando, después de su oportunidad fallida de actuar en el primer Batman, quiso aparecer en su esperada secuela.Por supuesto, en el papel de Catwoman.Había un problema:Michelle Pfeiffer ya había sido elegida por Tim Burton.No hay problema.Armada de valor y sin sentido del ridículo alguno se plantó en el despacho de Burton disfrazada de Catwoman dispuesta a conseguir el papel y hacer cambiar de idea al director.Según afirma la leyenda, cuando su secretaria avisó por interfono a Burton de que se aproximaba una mujer vestida de Catwoman a su despacho, éste salió escopetado al lavabo a esconderse.No hubo encuentro entre Young y Burton, pero eso no desanimó a la actriz, que se paseó por platós televisivos varios con su traje casero.Fue su final.Todo Hollywood se cachondeó de la actriz, que a día de hoy sigue defendiendo su actuación ("Si Jim Carrey o Sean Penn lo hubieran hecho les habrían aplaudido por sus pelotas").La por aquel entonces desconocida directora Jane Campion le ofreció ser la protagonista de El Piano, pero Young estaba embarazada de su primer hijo y tuvo que decir "no".Holly Hunter se llevó el papel y el Oscar.Lo mismo ocurrió cuando estuvo embarazada de su segundo hijo y Martin Scorsese quiso contar con ella para Casino en el papel que interpretaría Sharon Stone.

Hoy en día Sean Young es, como diría Martin Landau en Ed Wood, "un espantapájaros".Después de su divertido papel en Ace Ventura ("cuerdas fuera") protagonizó series B, comedietas de tercera como Doctor Jekyll y Ms. Hyde (recuerdo verla en Tele 5 llevándome las manos en la cabeza cada poco; los efectos de transformación no estaban nada mal eso sí), thrillers eróticos a cual más patético (no se pierdan si tienen oportunidad Motel Blue, más que fallida cinta donde Sean hacía pareja con una Soleil Moon Frye aka Punky Brewster tratando de venderse como sex symbol...tremendo) y films directos a video o televisión, la cual le ha permitido hacer pequeñas apariciones en series como Urgencias o CSI.Siempre ha tratado hacer propósito de enmienda, hasta el punto de pagar en una ocasión allá por el año 2000 una página de publicidad en publicaciones cinematográficas varias dando las gracias a los que confiaron en ella para los rodajes en los que participó en aquel año.Lo malo es que en ocasiones la sigue armando.Como cuando en el año 2006 se intentó colar en la fiesta de los Oscars que concede la revista Vanity Fair (el fiestorro por excelencia en Hollywood) para ser expulsada sin contemplaciones por los seguratas.El año pasado durante la entrega de premios del Sindicato de Directores gritó desde su asiento a Julian Schnabel mientras pronunciaba un discurso, siendo expulsada por la fuerza del lugar.Reconoció su problema con el alcohol y se fue a una clínica de rehabilitación.

Siempre he pensado en una posible resurrección artística de Young, aunque para ello necesitaría encontrarse con un Tarantino o un Darren Aronofsky que le ofrezca un papelazo.Y por supuesto tendría que dejar de lado su genio.Allí estaré yo para contárselo si tal feliz noticia se produce.Mientras tanto, Young se conforma con ser reconocida de cuando en cuando por algún admirador al que accede con simpatía a firmar un autógrafo o a posar para una foto.

Sin palabras:

Sean Young is Catwoman.No tiene audio el video pero pueden hacerse una idea.

Todavía se conserva bien.

Louise siempre fue una estrella de armas tomar.

No saben lo bien que sienta recuperar una obra maestra de los años 20 después de contemplar la muy descafeinada 12 Rounds del antaño grande Renny Harlin.La elegida para aliviar decepciones fue La Caja de Pandora de George Wilhem Pabst.Magnífica película.Grandes actores secundarios habituales del cine alemán de finales de los años 20, la interpretación sin las estridencias típicas de las actrices de la época de Louise Brooks, su naturalidad e indudable química con la cámara y la soberbia dirección de Pabst.Qué más le puedo pedir a una cinta.El caso es que después de verla de nuevo me han entrado ganas de contarles una de esas historias de ascensión, caída y redención que tanto le gusta al público.En este caso nos vamos a los roaring twenties.Para mi gusto mis décadas favoritas del Siglo XX son los años 20 y los 80.Fascinantes ambas.Y con grandes dosis de conservadurismo en Hollywood, ciudad de los sueños pero también de las más tenebrosas pesadillas (cosa de la que tanto Kenneth Anger en sus Hollywoods Babilonias varios como por ejemplo David Lynch en Mulholland Drive nos han contado con bastante acierto).Allí, los outsiders, las ovejas descarriadas y los artistas demasiado inteligentes para la estrecha mentalidad de la mayoría de los ejecutivos de los grandes estudios no son muy bienvenidos que digamos.El caso de Louise Brooks puede servirnos de ejemplo.

Los orígenes de Brooks se encuentran en el pueblecito de Cherryvale, en Kansas.Ya desde pequeña mostraba gran interés por la música y la literatura, debido sin duda a la influencia de su madre, una pianista experta en interpretar piezas de Chopin y Debussy.A los nueve años, sufrió un hecho traumático:fue violada por un depravado, marcándola de por vida.La joven Louise decidió dedicarse como bailarina tras perfeccionar sus aptitudes.Después de pasar por compañías de baile varias (donde se hizo notar entre sus compañeras por su temperamento e inteligencia pocas veces vista en una bailarina) fue fichada para formar parte de las Ziegfield Follies en Broadway allá por 1925.Con 19 años, la chica de pueblo había triunfado por todo lo alto...y ya se relacionaba con gente poderosa.Por ejemplo, con el mismísimo Charles Chaplin, siempre en busca de mujeres con las que compartir lecho por un día.Un avispado productor de la Paramount vió en ella talento para el cine y ofreció a Brooks un jugoso contrato por cinco años en el estudio presidido por Adolph Zukor.Pocas veces se vió una llegada a Hollywood tan rápida.

Pero evidentemente una recién llegada tenía que esperar a que llegase el estrellato.Así, durante tres años se dedicó a interpretar papeles protagonistas en películas de segunda fila del estudio, a la espera de poder trabajar con un gran director y una gran película.Esa oportunidad le llegó cuando Howard Hawks se fijó en ella para Una Chica en Cada Puerto y William Wellman la eligió como protagonista de Beggars of Life, al lado de la por aquel entonces estrella Wallace Beery (¿se acuerdan de Barton Fink?).La fama por fin llegó y Brooks no tardaría en aparecer como invitada a las fiestas en la mansión de William Randolph Hearst y Marion Davies y en las páginas de cotilleos por sus romances varios con personajes de todo tipo.Años después confesaría que tenía amantes femeninas en aquella época, entre ellas, Greta Garbo.Su peinado además causó furor entre las mujeres de la época, convirtiéndolo en símbolo de rebeldía y liberación antes las mentes bienpensantes.Igual, o más furor si cabe causaron sus cada vez más maltrechas relaciones con los jefazos de Paramount, de quienes siempre se quejaba de sus contratos leoninos y de la vida que llevaba en Hollywood.El acabóse fue cuando la llamaron para que doblase sus diálogos de The Canary Murder Case.La respuesta de ella fue mandarlos a la mierda.Literalmente.Huelga decir que otra actriz tuvo que doblar los diálogos y que la Brooks acabó como persona non grata en todo Hollywood.Era momento de lanzarse a Europa.

Y es que las películas de Brooks habían llegado a ser vistas por el afamado director George Wilhem Pabst, quien pensó que nadie como ella para encarnar a Lulú la ingenua (o no) protagonista de las obras de Frank Wedekind que con tanto éxito se habían llevado al teatro.La leyenda cuenta que Marlene Dietrich se encontraba en el despacho de Pabst a punto de estampar su firma en el contrato para ser la protagonista de la cinta, pero que justo en ese momento llegó un telegrama de América en el que se informaba de que Brooks había roto su contrato con Paramount y, por lo tanto, tenía el camino libre para ficharla.Si los estudios de Hollywood habían fichado a extranjeros como la Garbo, Chaplin o Von Stroheim...¿por qué no podía un alemán fichar a una estrella de Hollywood netamente americana? Eso fue algo que el público alemán no acabó de aceptar cuando se estrenó La Caja de Pandora en Enero de 1929.El público norteamericano no había olvidado el corte de mangas de Brooks a Hollywood y tampoco le fue mucho mejor a la película allí (por cierto, la historiadora de cine Lotte Eisner recuerda que, visitando a Brooks en el plató de Pandora, se la encontró leyendo un libro de Schopenhauer y acabó conversando con ella sobre el autor.Ya no tuvo dudas sobre la inteligencia de la actriz).De todos modos Brooks se sentía a gusto en Europa y repitió con Pabst en Tres Páginas de un Diario y rodaría en Francia Prix de Beauté.SPOILER: El final de la cinta no pudo ser más profético:Brooks encarna a una actriz que ve en la pantalla de cine su interpretación.Es disparada y muere.Sólo las imágenes reflejadas en la pantalla la mantendrán en la inmortalidad.

Una vez acabado su periplo europeo, las cosas se pusieron muy feas para Brooks.Su última oportunidad para lograr de nuevo el estrellato perdido fue un papel co-protagonista al lado de James Cagney en El Enemigo Público Número 1.Papel que rechazó y que acabó en manos de la rubia platino Jean Harlow.A partir de ahí comenzó su declive en películas de ínfima categoría, sus problemas con el alcohol que arrastraba desde adolescente y que se agudizaron en sus peores momentos, su exclusión de Hollywood y la bancarrota.Cuando el experto en cine James Card descubrió su paradero en los años 50, Louise trabajaba en unos grandes almacenes por 40 dólares a la semana con los que se apañaba para ir tirando.Card jugó un papel importante en la reivindicación de su figura y películas y los críticos franceses volvían a abrir La Caja de Pandora mediante exhibiciones varias.Cuando Brooks visitó la cinemateca francesa con motivo de una retrospectiva sobre los 60 años que llevaba el cine de vida, una inmensa foto suya presidía la sala principal y su presidente Henri Langlois se le tiró a sus pies exclamando: "Ni Garbo ni Dietrich...¡Louise Brooks sólo hay una!".Y de esta manera comenzó el culto a Brooks hasta nuestros días.Falleció en 1985 siendo una reputada escritora sobre cine (sus memorias Lulú en Hollywood están consideradas, según los expertos en cine, poco menos que imprescindibles) y sintiéndose orgullosa de su trabajo.

Quien tenga más curiosidad por la figura de Louise Brooks encontrará un montón de webs dedicadas a su memoria y con material impagable en forma de artículos de la época y fotografías de todo tipo, como las que han podido ver, incluso desnudos.Igualmente podrán encontrar en Youtube un par de documentales imprescindibles, entre ellos Lulu in Berlin (entrevista a Brooks a finales de los 70 donde se nota que los años no pasan en balde pero que aún conservaba su lucidez e inteligencia) y Looking for Lulu, narrado por Shirley MacLaine y con multitud de expertos y admiradores prestando testimonio.Guido Crepax reconoció abiertamente su inspiración para su mítica Valentina en el look de Brooks, cosa que a la actriz le encantó hasta el punto de mantener correspondencia con Crepax.Y para acabar, un detalle.A principios de este mes se proyectó La Caja de Pandora en un cine de Los Angeles con capacidad para 2.000 personas.Se colgó el cartel de "no hay billetes".

La Brooksmania sigue expandiéndose en estos tiempos de estrellitas de medio pelo.Que continúe.

No deja de resultar irónico que a día de hoy, Prince sea todo un testigo de Jehová que predica la monogamia y la abstinencia sexual y que se dedica a ir por su barrio en Los Angeles a picar puertas con la intención de convertir a sus vecinos.De todos modos, dudo que Chiquito de Minneapolis deje su lado provocador a la hora de componer música, que a fin de cuentas es lo que importa.Aunque ya no cante sobre el escenario odas al sexo oral como Head.El motivo del post que nos ocupa es el de intentar arrojar un poco de luz sobre el paradero de Denise Matthews, más conocida como Vanity allá por los 80 y con una carrera discográfica y cinematográfica que no pasará a formar parte de la historia, pero que me resulta bastante simpática.

Fotografía del prestigioso Richard Avedon para Rolling Stone, en la primera portada dedicada al príncipe de Minneapolis.

Matthews era una canadiense oriunda de Ontario con una infancia marcada por el divorcio de sus padres y los abusos que ésta sufrió de su progenitor.A finales de los 70 e influenciada por su ídolo de la niñez Diana Ross, se trasladó a Estados Unidos para empezar una carrera como modelo.Pronto consiguió ser la imagen de una conocida marca de pasta de dientes y tener un papelito en El Tren del Terror con Jamie Lee Curtis.Tras posados y anuncios varios, conoció al hombre que pronto la haría célebre.En una fiesta posterior a una entrega de premios musicales, el bueno de Prince tuvo ojos para Matthews (otra versión malévola afirma que Matthews entró a una fiesta con el rey del funk guarro Rick James bajo el brazo y salió de la misma con His Royal Badness dejando a James más solo que la una).Hacía tiempo que Prince deseaba montar un grupo musical femenino y no pudo imaginar una mejor frontwoman que la canadiense.Así, junto con Brenda Bennett y Susan Moonsie, amén de cambiar el nombre de Matthews por el más artístico Vanity, formó Vanity 6 (otro divertido rumor:Prince estaba empeñado en que el trío se llamase Vagina 6, pero Matthews se negó en rotundo).Con Prince controlando todos los aspectos de la composición y producción de sus canciones y dando al trío un look descaradamente sexy y provocativo, el álbum de mismo título que el grupo no fue nada mal en ventas, logrando un número 1 en las listas USA de baile con Nasty Girl.Cantar no es que cantasen especialmente bien, pero mientras las melodías fueran pegadizas y las chicas fueran sexys sobre el escenario, Prince estaba más que contento.

Después de algunos éxitos menores y de intervenir en los coros de la balada épica Free del álbum de Prince 1999 (una de sus mayores cimas creativas), Vanity inicia una relación con Prince.Allá por 1983 Chiquito de Minneapolis tomaba notas en una libreta de color púrpura para elaborar un guión para una futura película que contase su vida y vicisitudes musicales.Purple Rain comenzaba a gestarse y el papel de la chica naturalmente sería para Vanity.Pero no por mucho tiempo.La pareja rompe y Vanity a partir de ahora tendrá que arreglarselas sin su mentor.Tras tantear a toda una Jennifer Beals post-Flashdance para el papel, finalmente se lo adjudicaría Patricia Kotero, a la que Prince rebautizó como Apollonia por su parecido con la primera mujer de Al Pacino en El Padrino.Vanity 6 fue rebautizado como Apollonia 6, teniendo mayor éxito de ventas (aunque tampoco es que Apollonia cantase mucho mejor que Vanity, la verdad).Purple Rain fue un taquillazo en el Verano de 1984 y por esa época Vanity empezó a consumir drogas (fundamentalmente crack) de forma habitual.La Motown ficha a la canadiense y ese mismo año publica Wild Animal, que no va mal en ventas.Al año siguiente, Vanity por fin tendría un papel protagonista en una película.El capo de la Motown Berry Gordy la metió en una fantasía ochentera repleta de música, bailoteos, hostias y un negro que se cree Bruce Lee.Todo lo que debe tener una gran película.

Berry Gordy's El Último Dragon es una de esas cintas legendarias de videoclub que todos los que tengan una cierta edad recordarán con nostalgia y cariño.La película fue un éxito aceptable de taquilla que convirtió al protagonista Taimak en un pequeño mito del mundo de la artes marciales, al villano Sho' Nuff (Julius Carry III, fallecido no hace mucho tiempo) en un mito aún mayor y a la entrañable Rhythm of the Night de DeBarge en poco menos que legendaria.Vanity no es que supiera actuar muy bien, pero quedaba muy guapa en la pantalla y tuvo la oportunidad de intentar demostrar que sí que sabía cantar.Lástima que no lo consiguiera, pero el caso era intentarlo con esta 7th Heaven.Si les apetece leer un análisis más profundo de la cinta, pinchen aquí.Por cierto, que sepan que Hollywood hará remake con Samuel L. Jackson de malo.

Tras editar otro disco en 1986 de título Skin to Skin y con su mayor éxito en solitario Under the Influence, Vanity aparece en otra cinta, 52 Vive o Muere, protagonizada por Roy Scheider y en la que interpretaba a una stripper, lo que daba la oportunidad de ver los encantos de la mujer.La película, producida por la Cannon y dirigida por John Frankenheimer se dejaba ver.Y llegamos a 1988, año de estreno de una de las cintas de acción ochenteras por las que más simpatía tengo.Con la producción del todopoderoso Joel Silver, dirigida por el eficaz artesano Craig R. Baxley y protagonizada por The Master of Disaster Apollo Creed, Acción Jackson (qué titulo más pegadizo) proporcionaba hora y media de pura diversión a todo aquel que la alquilase en su videoclub de barrio de confianza.Porque en los cines fue un fracaso total.Otra vez más Vanity (que, casualidades de la vida, interpretaba a una yonki) básicamente ponía el físico mientras que las frases chistosas y los golpes los servía Weathers.Siempre tendré en mi memoria esa escena final con Weathers entrando en la mansión del malo con el coche y subiéndolo por las escaleras hasta el dormitorio donde se produce la lucha final.Al igual que en El último Dragón, había escena de lucimiento vocal para Vanity.Que tampoco la aprovechó mucho.

A partir de ahí, la cuesta abajo.Las drogas se convirtieron en lo más importante para ella y su carrera musical se fue al garete.Posados para Playboy, romances turbulentos con Billy Idol, Adam Ant y sobre todo con Nikki Sixx de Mötley Crüe (con el que tuvo más de una pelea por sus adicciones) y apariciones en series como Corrupción en Miami o Historias de la Cripta y en cintas de serie B fueron las actividades a las que se dedicó.Hasta 1994, año en el que estuvo a punto de morir después de mucho tiempo de abuso de las drogas.Ella contó que en el hospital donde estaba en cama con soporte vital se le apareció Jesucristo y que éste le pidió que abandonase el nombre de Vanity.Convertida así en cristiana renacida, tiró todas las cintas de actuaciones y entrevistas que tenía en casa, se arrepintió públicamente de su imagen y modo de vida que llevaba y se convirtó en evangelista dando sermones en todas las iglesias y cadenas televisivas cristianas de Estados Unidos que la solicitasen.Dudo que se publiquen por estos lares sus memorias, que escribió no hace mucho.

Denise Matthews en la actualidad.

El avispado fan de Stanley Kubrick seguro que reconoce su cara.Efectivamente, es el francotirador de Atraco Perfecto y uno de los soldados a los que Kirk Douglas deberá salvar del pelotón de ejecución en Senderos de Gloria.Como suele ocurrir, el talento de este buen hombre no se vió reconocido hasta tiempo después de su fallecimiento, cuando fue elevado a los altares del cine underground y bizarro.El tipo de gente que a mi me gusta retratar, vaya.En su apabullante paso por Hollywood fue golpeado por Elia Kazan, su trasero fue pinchado con un bolígrafo por el mismísimo Marlon Brando y Elvis quería a toda costa ver su única película como director.Tengo el placer de presentarles a Timothy Agoglia Carey, uno de los gurús del cinema bis.

Este hombre sin duda hubiera sido, por su peculiar físico (1'96 metros de altura) y rostro que no se olvida fácilmente, uno de los secundarios que no hubiera tenido problemas en el Hollywood clásico de los años 50 para tener papeles de malvado...si no fuera por su "curiosa" personalidad.Él mismo reconoció que tuvo dificultades para conseguir papeles por su volátil temperamento, lo que llevó al director Laszlo Benedek, que lo contrató para un papelito de malo en aquel (excelente) vehículo para lucimiento del Brando más chulo de título Salvaje a no querer que Carey se subiera encima de una moto, por miedo a que se le ocurriese atropellar a quien se pusiera por delante de su camino.Fue idea de Carey el que su personaje echara cerveza a la cara de Brando, lo que no hizo la más mínima gracia a la estrella.Tiempo después, un (por aquel entonces) amigo de Brando, Elia Kazan, acabó perdiendo los estribos en el rodaje de Al Este del Edén (Carey en la película amenazaba a otro astro salido del Actor's Studio, James Dean).Harto de las perrerías de Carey, acabó dándole un sonoro hostiazo en toda la cara.En esa época, el bueno de Timothy hacía lo que podía para tener papelitos en superproducciones de los grandes estudios.Y si había que escalar los muros de la 20Th Century Fox vestido de caballero medieval para presentarse al casting de El Principe Valiente, como efectivamente hizo, se hacía.Aunque finalmente no consiguiese el papel y, en consecuencia, tenía que ganarse el pan actuando en series B varias.Menos mal que un director neoyorkino supo ver su potencial como actor y no dudó en ficharlo para una película que estaba preparando sobre un atraco a un hipódromo

En efecto, Atraco Perfecto fue, tanto para Carey como para Stanley Kubrick su carta de presentación a Hollywood, que el segundo sabría aprovechar bastante mejor que el primero.Como pueden ver en el fotograma de arriba,la cara de placer que pone Carey cuando está a punto de apretar el gatillo para sabotear la carrera de caballos acojona un huevo y parte del otro.¿O no?.Kubrick quedó tan encantado con Carey que no dudó en ficharlo para su siguiente película, Senderos de Gloria, y además le ofreció el suculento papel del soldado Maurice Ferol, uno de los tres soldados sentenciados a muerte en la cinta.Por todos es sabido la fama de Kubrick de controlar todos los aspectos de la película que rodase en el momento, teniendo el equipo técnico y artístico que acatar sus órdenes sin rechistar (menos en la cinta que nos ocupa y en Espartaco, en las que quien cortaba el bacalao era su productor y estrella Kirk Douglas).Pues bien, a Kubrick le gustaba tanto Carey que le dió permiso para improvisar algunas líneas de diálogo y su actuación si lo estimaba oportuno.Sólo a él y a Peter Sellers les concedería ese privilegio.De hecho, en la escena en la que Kirk Douglas le visita cuando Ferol espera su ejecución inminente, Carey improvisó su actuación y fue tan convincente en la misma que Kirk Douglas pensaba que Carey le robaba la escena (cosa que así sucedió y cualquiera que haya visto Senderos de Gloria lo puede corroborar).Pocos años más tarde, Kubrick le llamó para interpretar papeles en Lolita y en Teléfono Rojo, pero nuestro hombre le dió calabazas.El porqué, vaya usted a saber.Quizás le apetecía ocuparse en crear y distribuir su primera (y última) película como director, productor, actor, guionista y distribuidor.

Armado con 100.000 dólares, un casting en general formado por actores amateurs,la colaboración en la banda sonora de un joven guitarrista que atendía por nombre Frank Zappa y una de las ideas más alucinantes jamás plasmadas en celuloide, desde 1956 a 1962, Carey trabajó intermitentemente en su magnum opus The World's Greatest Sinner, una cinta virtualmente desconocida por estos lares pero reverenciada en USA por circuitos cinéfilos muy minoritarios.Dar una sinopsis de la película resulta muy complicado, pero básicamente consiste en un vendedor de seguros de nombre Clarence Hilliard que, aburrido de su vida, decide que él es Dios, cambiándose su nombre por el de God Hilliard (mucho mejor que el Max Power elegido por Homer Simpson...), arengando a los jóvenes a unirse a él a través de un grupo de rock liderado por él mismo y siendo utilizado por un oscuro partido político.The World's Greatest Sinner es, de verdad, una pieza indispensable para todo aquel que busque rarezas del cine, uno de esos pequeños "tesoros" de cuya existencia solo conocemos unos pocos (y ahora la conoce usted) y que, lo considere uno una obra maestra o un supino bodrio, no lo acabará olvidando fácilmente.

Como puede uno imaginarse, a Carey le costó lo suyo encontrar algún distribuidor que se mostrase interesado en The World´s... por lo que no tuvo más remedio que distribuir la película él sólo.La noche de su estreno en un cine de Los Angeles, para tener una buena publicidad para la película, Carey disparó dentro de la sala su pistola al techo, provocando la histeria colectiva entre el público, lo que sirvió para acrecentar aún más su aureola de persona de carácter "complicadillo" en Hollywood.La crítica se mostró dividida en sus apreciaciones sobre la cinta,el público la ignoró y The World´s... se fue a las catacumbas del cine a la espera de que alguien la rescatase del olvido.Por cierto, la Pelvis tenía muchas ganas de ver esta película, pero se quedó con ellas.

A partir de ahí, Carey siguió alternando trabajos en el cine de bajo presupuesto duante los 60 para intentar llevar adelante nuevos proyectos como director.Pero The World´s... sería su única aventura tras las cámaras.La falta de financiación fue principalmente el talón de Aquiles de nuestro hombre, que vería más de una película inacabada.Eso, unido a que en Hollywood apenas querían saber nada de él, sobre todo después de que en el rodaje de El Rostro Impenetrable lograse cabrear a Karl Malden y a Marlon Brando, hasta el extremo que Brando (quizás teniendo en mente lo de la cerveza en Salvaje) le "apuñalaría" con un bolígrafo en salva sea la culona parte.La única figura relevante que se acordaba de él para darle papeles en sus películas fue su íntimo amigo John Cassavetes (Carey dió un sentido discurso en el funeral de éste a finales de los 80), quien le ofreció papeles suculentos en Minnie & Moskovitz y The Killing of a Chinese Bookie.

Constantes apariciones en series como Kung Fu, El Virginiano o Los Ángeles de Charlie, más papeles en cine de bajo presupuesto, el rechazar papeles en los dos primeros Padrinos para ocuparse de sus propios proyectos (según versión del propio Carey;Coppola se acordaría de él para un papelito en La Conversación) y actuaciones variadas en teatro le mantuvieron cupado hasta principios de los 90, donde estuvo a punto de "resucitar" para el cine con otra película de atracos con la estructura narrativa desordenada.En efecto, el mismísimo Tarantino pensó en él para interpretar al jefe de los Reservoir Dogs, pero a pesar de que Carey deseaba hacer el papel, Tarantino se desdijo considerando que no era el actor adecuado y puso a Lawrence Tierney en su lugar.Ésta es la versión oficial.La extraoficial la contó el propio Carey en una entrevista poco antes de fallecer en 1994.Según Timothy, Tarantino estaba entusiasmado con tenerlo en el reparto y se lo presentó a Harvey Keitel, quien lo admiraba como actor y le dió un largo discurso sobre lo grande que fue.Tras una larga perorata, Carey se limitó a decirle "gracias", cosa que no sentó nada bien a Keitel (productor ejecutivo de la cinta), quien pensó que Timothy era un desagradecido y, por rencor, vetó su presencia en el reparto de Reservoir Dogs.Que conste que esta es sólo la versión que dió Carey del asunto.Si es verdad lo que cuenta o no, queda a criterio del lector.Eso sí, en los créditos finales, Quentin se acordó de Carey poniéndolo en los agradecimientos.

Posiblemente, si hubiera querido, Timothy Carey sería más famoso y no hubiera tenido dificultades para hacer sus películas.Pero al menos hizo aquello que le apetecía hacer, y además era un tipo realmente original.Y eso basta para que le dedique unas cuantas lineas en el blog.Y ahora, les conmino a que traten de conseguir The World´s Greatest Sinner y disfruten de su delirante imaginación.

Cuando Yukio Mishima tenìa la hoja de su katana a punto de penetrar en su abdomen,no tenìa miedo de nada.Sabìa que aquel iba a ser un momento glorioso.Kimitake Hirakoa (pues èse era su verdadero nombre) llevaba año y medio planeando su suicidio mediante el ritual Sepukku.Habìa dejado todos los cabos atados:El ejèrcito privado de soldados que habìa formado dos años antes se librarìa de responsabilidades penales por tomar al asalto el despacho del comandante del Campamento Ichigaya de Tokyo y por atar al comandante a una silla;Ademàs,su ùltima novela que completaba su famosa tetralogìa El Mar de la Fertilidad,cuyos tres primeros volùmenes Nieve de Primavera,Caballo Desbocado y El Templo del Alba fueron un gran èxito crìtico y de ventas habìa sido entregada por Mishima en persona a su editor de camino al Campamento en coche.Su tìtulo:La Corrupciòn de un Àngel.Llegò a ser propuesto al premio Nobel 3 veces nada menos,siendo uno de sus mentores en la literatura,Yasunari Kawata,el que acabarìa llevàndose el premio.Ahì comprendiò Mishima que serìa muy difìcil que un autor japonès ganara el Nobel por segunda vez.Aunque cuenta la leyenda que dejò que Kawata ganase el premio por respeto al hombre que le introdujo en el mundo literario.

Mishima en reflexiòn.

Un pequeño instante de dolor y Mishima dejarìa de existir.Entonces se acordò de su abuela,la persona que màs le influyò para bien...y para mal.Consiguiò contagiar al pequeño Yukio su gusto por la literatura y lo matriculò en un elitista colegio donde sòlo iban los hijos de diplomàticos y la jet set japonesa,pero sus arranques de mal genio provocados por la ciàtica y su terminante prohibiciòn de que jugase con otros niños no ayudaron mucho a que Yukio tuviese una infancia feliz.Y habìa otro problema:su padre,un secretario del ministerio de Agricultura,no estaba dispuesto a tener un hijo escritor.Por màs talento que tuviese Yukio,lo mejor era que estudiase la carrera de derecho y dejase la literatura.Dispuesto a obedecer a su padre,aceptò y a mediados de los 40 ya era licenciado.Pero poco le durò su trabajo como oficial en el Ministerio de finanzas por agotamiento,y Mishima se saliò con la suya:Serìa escritor al fin.

Un samurai malo y su pistola

Pronto demostrarìa al mundo que era un gran escritor:con su novela Confesiones de una màscara,se convertirìa en una celebridad en todo Japòn al tratar un tabù por aquel entonces como la homosexualidad.A partir de ahì,se convertirìa en el escritor japonès màs leìdo de la època,algo que gustaba enormemente a Mishima,que sabìa autopromocionarse a las mil maravillas.Con obras de teatro kabukis,ensayos,entrevistas varias en las que dejaba claro ser de valores bastante conservadores y,sobre todo,una obsesiòn por fotografiarse dejando al descubierto su excelente fìsico,Mishima era tema de tertulia habitual en bares y corrillos.Incluso no renunciò a hacer sus pinitos en el cine.Escribiò,por ejemplo,el guiòn de Black Lizard,un film noir inclasificable dirigido por Kinji Fukasaku y que uno no sabe bien si recomendar,pero que resulta bien curioso el ver a Mishima hacer de "estatua humana".Incluso el propio Mishima no dudò en co-dirigir un corto basado en uno de sus cuentos,Patrotismo,en el que el personaje protagonista,un teniente de la armada japonesa de nombre Yukio,acababa hacièndose el hara-kiri.Señal premonitoria de lo que vino poco despuès.

Mishima a la derecha de estatua humana.

Aunque famoso y prestigioso,Mishima pensaba que Japòn estaba perdiendo sus tradiciones y valores esenciales y se denostaba la figura del emperador.Asì,en 1968,decidiò formar la Tatenokai (sociedad escudo),una milicia privada en la que estudiantes patriotas y expertos en artes marciales se reunìan para hacer ejercicios fìsicos parecidos a los del ejèrcito y para intercambiar sus opiniones sobre el decadente Japòn y el esplendor que le darìan.Durante un año y medio estuvo Mishima planeando tomar el Campamento Ichigaya para arengar a los reclutas de allì a que se uniesen a su "ejèrcito" y lo que harìa en caso de fracasar.Cuando finalmente logrò entrar el 25 de Noviembre de 1970 con la Takenotai,atò al comandante a la silla de su despacho y saliò al balcòn a leer un discurso patriota que habìa preparado para la ocasiòn.Cuando acabò de leerlo,las risotadas de los presentes y los abucheos se hicieron notar.

Mishima dando su famoso discurso

A pesar de todo,Mishima ya tenìa claro que la posibilidad de fracasar con su oratoria era algo bastante probable y asì llegamos al primer pàrrafo del post,con Mishima a punto de cometer el ritual del seppuku.Cuando su katana atravesase su abdomen,uno de sus "soldados" le cortarìa la cabeza tal como estaba previsto.Cuando era joven,Mishima querìa servir a su paìs en el ejèrcito en la Segunda Guerra Mundial,pero acabò siendo rechazado debido a que tenìa sìntomas de tuberculosis.Esto acabò obsesionàndole con no haber tenido una muerte heroica en el frente de batalla.Finalmente,a su entender,acabò teniendo esa "muerte heroica".

La katana empezò a introducirse en el estòmago de Mishima.La sangre de samurai empezò a salir...

Mishima al màs puro estilo San Sebastiàn